La Grande-Bretagne, de Shakespeare aux Beatles

Par Marie Lagrave

De l’autre côté de la Manche, à quelques heures de train de Paris, la Grande-Bretagne vous invite à un dépaysement total. Une capitale foisonnante et éclectique, des compagnes bucoliques ponctuées de charmants jardins à l’anglaise, des landes sauvages à la beauté singulière, et partout, de grands châteaux et de belles demeures qui retracent l’histoire de la monarchie anglaise… Au fil de ses 4 nations (Angleterre, Écosse, pays de Galles et Irlande du Nord) au caractère bien trempé, c’est un voyage tout en contrastes qui vous attend : Shakespeare ou les Beatles, pubs à l’ambiance enflammée ou tea time royal, pourquoi choisir ?

CARTE D’IDENTITÉ

Capitale : Londres

Superficie : 246 690 km²

Nombre d’habitants : 67 886 000 habitants (en 2020)

Fuseau horaire : GMT en hiver et GMT+1 en été (une heure de décalage horaire avec la France)

Monnaie : la livre sterling (GBP)

Langues : l’anglais est la principale langue officielle, mais plusieurs langues régionales sont également reconnues : le cornique, le gaëlique écossais, le scots, le gaëlique irlandais, le scots d’Ulster, et le gallois

Météo : la Grande-Bretagne est réputée pour son climat pluvieux et ses températures fraîches par rapport aux nôtres, mais d’importantes disparités existent. Le climat au sud est bien plus doux qu’au nord, et l’est reste généralement plus sec que l’ouest. En outre, les pluies sont souvent de courte durée et, grâce au Gulf Stream, les hivers sont rarement très froids.

LES INCONTOURNABLES DE LA GRANDE-BRETAGNE

Le British Museum à Londres

Bien sûr, la capitale regorge de musées prestigieux : la National Gallery, les Tate Modern et Tate Britain, le Victoria and Albert Museum, le Museum d’histoire naturelle… Mais s’il fallait choisir de n’en visiter qu’un seul, ce serait sans doute vers le British Museum que se porterait notre choix. C’est l’un des plus grands musées au monde, et ses collections, d’une richesse et d’une diversité sans pareilles, permettent de retracer 2 millions d’années d’histoire au travers des 6 continents. Les collections égyptienne et gréco-romaine, notamment, sont tout à fait exceptionnelles et renferment de véritables trésors de l’histoire de l’humanité, comme la pierre de Rosette ou les fresques du Parthénon.

Les universités d’Oxford et de Cambridge

Les deux plus anciennes et prestigieuses universités du Royaume-Uni méritent amplement une visite. Fondées respectivement à la fin du XI^e et au début du XIII^e siècle, elles accueillent encore aujourd’hui des milliers de brillants étudiants venus du monde entier. Si Oxford a su conserver son architecture principalement gothique, où l’atmosphère médiévale est toujours perceptible ; Cambridge présente des styles plus éclectiques : gothique, baroque et néo-classique s’y côtoient. À Oxford comme à Cambridge, néanmoins, collèges, cloîtres, chapelles, bibliothèques et musées se succèdent et nous plongent dans les plus hauts lieux du savoir britannique.

Les vestiges de l’abbaye de Fountains et le parc de Studley Royal

Dans le Yorkshire, tout près de la petite ville de Ripon, se trouve un site doublement fascinant. On y trouve tout d’abord les impressionnants vestiges de l’abbaye cistercienne de Fountains, fondée en 1132, témoignant de l’opulence du lieu aux XII^e et XIII^e siècles. Par la suite, afin de sublimer cet endroit déjà spectaculaire, fut créé au XVIII^e siècle le parc paysager de Studley Royal. D’époque géorgienne, c’est l’un des plus somptueux jardins d’eau d’Angleterre. Ses canaux et bassins, ses cascades et statues offrent une superbe perspective sur les ruines de l’abbaye. L’ensemble est aujourd’hui classé à l’Unesco.

Le Royal Mile d’Édimbourg

Inscrite au patrimoine mondial de l’Unesco, la ville d’Édimbourg, capitale de l’Écosse, ravira les amateurs de vieilles pierres. Le Royal Mile, artère principale de la vieille ville (Old Town), en est le cœur historique. Nommé ainsi en raison de sa longueur, équivalente à un ancien mile écossais (1,814 km), il est encadré par le château d’Édimbourg, ancienne demeure des rois d’Écosse, et par le palais de Holyrood, actuelle résidence officielle de la famille royale d’Angleterre. Constitué en réalité d’une succession de rues (Castle Esplanade, Castle Hill, Lawnmarket, High Street, Canongate et Abbey Strand), le Royal Mile est parsemé de monuments emblématiques (la cathédrale Saint-Gilles, le parlement…) et de ruelles étroites, les “closes”, dans lesquelles l’ambiance médiévale de la ville se fait particulièrement ressentir.

Le Loch Ness et les ruines du château d’Urquhart

Mythique, c’est le premier mot qui nous vienne à l’esprit lorsqu’il s’agit d’évoquer le Loch Ness, que les contes et légendes ont entouré de mystère. Au cœur des Highlands, dans un paysage à couper le souffle, composé de montagnes majestueuses, d’étroites vallées encaissées et de forêts sauvages, le plus connu des lochs d’Écosse s’étend sur 39 km de long, pour à peine 3 km de large. Les superbes ruines du château d’Urquhart, qui veillent sur le loch depuis plus de 1 500 ans, complètent ce tableau enchanteur qui bruisse encore des récits d’autrefois. En scrutant la surface des eaux, peut-être vous semblera-t-il apercevoir le fameux monstre qui habiterait les profondeurs du loch…

 

LE COUP DE CŒUR DE NOTRE SPÉCIALISTE

Yann Prunier, forfaitiste

« La City de Londres, poumon économique du pays, fourmille de buildings modernes et derniers cris réalisés par les plus grands architectes. Surplombant la Tamise, la tour du Sky Garden a des allures d’immense “talkie-walkie”. Elle offre une vue panoramique fascinante sur la capitale dans un cadre inattendu : un magnifique jardin tropical vous attend en haut de ses 160 mètres. Après avoir fait le plein de sensations sur la terrasse extérieure, on peut profiter d’un moment de détente en buvant un verre au Sky Pod en attendant le coucher du soleil. »

Découvrir tous les circuits Arts et Vie en Grande-Bretagne

par Emmanuelle Bons

Si la crise climatique, les questions énergétiques et l’urgence de repenser les pratiques touristiques occupent une large part de l’espace sociétal, il reste parfois difficile de saisir les conséquences concrètes et à courts termes de ces problématiques. Arts et Vie vous propose donc un tour du monde des trésors culturels mis en danger par la main de l’homme afin de poser un regard lucide et éclairé sur la planète. Loin de tout pessimisme, cette série d’articles a pour ambition de sensibiliser et d’alerter sur l’importance d’agir ensemble à tous niveaux pour freiner des phénomènes que l’on espère réversibles.

Il faut sauver Venise

La première étape de notre parcours à la rencontre des sites culturels en danger sera tout simplement Venise. Toute proche de nous, la cité des Doges vient rappeler la fragilité de certains patrimoines et l’ampleur de la tâche à accomplir. Victime de sa beauté, de son prestige mais aussi des troubles climatiques qui déséquilibrent les écosystèmes, la Sérénissime mène aujourd’hui de multiples actions qui, on peut l’espérer, sauveront la ville d’une mort annoncée.

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“On a fait couler tellement d’encre sur Venise qu’elle se noie” (Sylvain Tesson)

Durant des siècles, la cité des Doges fascina tous ses visiteurs par son faste et sa magnificence. Mais tant de beauté l’a rendue vulnérable. En 1966, le monde découvrit avec effroi que la Sérénissime courait un véritable danger. Cette année-là, une inondation record – le niveau d’eau monta d’1,96 m – provoqua un vent de panique au sein de la population, mais aussi une véritable prise de conscience de la fragilité de la ville. Si Venise a toujours connu des périodes d’acqua alta 8 à 10 fois par an en fonction de l’intensité des marées, de la pression atmosphérique ou de la force du vent, le phénomène s’est fortement accentué en l’espace d’un siècle et l’eau vient maintenant recouvrir quais et places une bonne centaine de fois entre septembre et avril.

Cette montée des eaux inquiétante n’est que la conséquence visible de plusieurs facteurs naturels et humains qui ont pris une ampleur considérable. Tout d’abord, la nature des sols de Venise entraîne un tassement inéluctable de l’ensemble des terrains, de 4 cm par siècle ; à cela s’ajoute l’affaissement dû au pompage, les cinquante dernières années, de la nappe phréatique par les industries environnantes ; et l’augmentation générale du niveau de la mer et des océans de la planète. Le tout cumulé, les experts ont mesuré une élévation des eaux de près de 23 cm depuis 1897 !

Outre les dégâts les plus visibles et les plus dramatiques pour les Vénitiens, obligés d’évacuer régulièrement habitations et commerces, les conséquences de ce phénomène sont très lourdes pour la ville. Le niveau de l’eau dépassant à présent la partie des murs isolée grâce à la pierre d’Istrie, elle vient maintenant s’immiscer dans la brique, beaucoup plus poreuse, où elle dépose des cristaux de sel qui la rongent de l’intérieur. Les fastueux palais et les monumentales églises se trouvent donc menacés par une érosion que le remous causé par les bateaux à moteur amplifie considérablement.

Opération de sauvetage

Si l’inondation historique du 4 novembre 1966 fut un événement déclencheur dans la prise de conscience de l’opinion publique internationale, les réactions concrètes mirent des décennies à se mettre en place. En 1973, le gouvernement italien déclara le problème de Venise “intérêt national prioritaire” et un concours d’idées fut lancé pour tenter de remédier de façon durable à cette noyade attendue.

Il fallut cependant attendre 2003 pour que débute un chantier colossal, visant la construction d’immenses barrages mobiles immergés au niveau des trois embouchures de la lagune vers l’Adriatique. Ce projet, nommé MOSE (MOdulo Sperimentale Elettromeccanico), devrait permettre de “fermer” la lagune pour quelques heures, voire quelques jours, en cas de montée des eaux trop importante. Cependant, ce programme, qui s’est achevé en 2020 et qui coûta des milliards à l’État fut, et est toujours, sujet à de nombreuses controverses. Beaucoup considèrent que ces portes mobiles ne sont qu’une solution très éphémère à un problème qui ne fait que croître avec le temps.

De plus, bloquer le passage des eaux de la lagune vers la mer pendant une période relativement longue posera sans doute des problèmes d’oxygénation de l’eau et d’évacuation des eaux usées, naturellement effectuées par les marées. Il convient d’ajouter en outre que les fleuves venus des Alpes, qui se déversent dans la lagune, risqueraient de faire également monter le niveau si leur évacuation vers l’Adriatique se trouvait obstruée ! À ces considérations techniques s’ajoutent également des questions purement politiques, dans un pays souvent en proie à de violentes polémiques.

L’adieu aux géants des mers

Durant des décennies, il n’était pas rare en flânant place Saint-Marc de se retrouver nez-à-nez avec la façade colossale et immaculée d’un paquebot géant venus effleurer palais et églises. Des bateaux de croisière dépassant parfois plusieurs centaines de mètres de long osaient en effet autrefois traverser le canal de la Giudecca jusqu’au plus près de la célèbre basilique, pour permettre à ses passagers d’admirer les trésors de Venise sans même mettre un pied à terre.

Or les experts ont démontré que le remous des hélices et la pollution de l’air et des eaux générés par ce type d’embarcation faisaient courir un réel danger à cette cité si fragile. À titre d’exemple, en 2017, les 68 plus gros navires de tourisme qui ont traversé la ville ont relâché 27 tonnes d’oxyde de soufre, connus pour acidifier les environnements terrestres et aquatiques. De quoi alerter les autorités, inquiète de la survie de la cité.

Heureusement, depuis le 1^er août 2021, les bateaux de plus de 25 000 tonnes n’ont plus le droit de traverser le centre historique de Venise et sont contraints de s’amarrer dans le port industriel de Marghera. Après une lutte qui aura duré près d’une dizaine d’année, un simple décret du président du conseil italien, déclarant le canal de la Giudecca “monument national”, aura suffit à mettre fin à ce chassé-croisé.

À présent seuls les plus petits bateaux, d’environ 200 passagers, pourront continuer à accoster. Une règle très restrictive et courageuse lorsque l’on songe que les croisières génèrent 400 millions d’euros par an de revenus au niveau local. Cependant, la pression que l’Unesco a exercé sur la ville en menaçant de la classer sur la liste du patrimoine en péril n’est sûrement pas étranger à cette mesure. Ce répertoire bien peu flatteur aurait nuit à l’image de la ville et certainement engendré une perte de recettes sur le long terme.

Retrouvez tous les voyages Arts et Vie à Venise

Rosa Bonheur, l’exposition hommage

Article partenaire avec l’Objet d’Art
Par Constance Arhanchiague

Artiste acclamée de son vivant et internationalement reconnue, Rosa Bonheur tomba dans l’oubli après sa mort en 1899. À l’occasion du bicentenaire de sa naissance, le musée d’Orsay remet à l’honneur la plus grande peintre animalière du XIX^e siècle, en présentant au public ses nombreux chefs-d’œuvre. Une exposition événement que l’on attendait depuis longtemps ! En 200 œuvres, parmi lesquelles des tableaux encore jamais montrés en France et des prêts de collectionneurs, le parcours donne à voir au public un large aperçu de la production de Rosa Bonheur, et éclaire le travail d’élaboration d’une œuvre originale.

Une artiste qui renouvela le genre de la peinture animalière

Observant et chérissant les animaux depuis sa plus tendre enfance, Rosa Bonheur disait qu’elle avait « pour les étables un goût plus irrésistible que jamais courtisan pour les antichambres royales et impériales ». À l’encontre de la tradition du grand portrait princier et des sujets historiques et mythologiques alors en vogue, Rosa Bonheur imposa ses peintures animalières et relégua l’humain au second plan, dans une approche novatrice.

Selon Sandra Buratti-Hasan, il est probable qu’elle ait choisi la peinture animalière en étant consciente qu’il y avait là un créneau à prendre. Aurait-elle pu se faire une telle place dans le genre de la peinture d’histoire compte-tenu de la concurrence ? Cette perspicacité n’est pas la moindre marque de son intelligence. Ses sujets champêtres et animaliers offraient alors à sa clientèle bourgeoise une peinture bien plus accessible intellectuellement que la peinture d’histoire, et très séduisante en raison de son enracinement dans des terroirs profonds, opposés à la société urbaine et industrialisée.

Si les sujets animaliers existaient déjà, Rosa Bonheur s’y consacra exclusivement, ce qui n’était pas le cas de ses prédécesseurs, et se tailla ainsi une place privilégiée dans un genre tardivement reconnu.

Le choix du réalisme pour « capturer l’âme »

Deux camps s’opposaient alors dans la représentation de l’animale : d’un côté les romantiques qui livraient des portraits sensibles voire psychologiques, et de l’autre les réalistes qui privilégiaient une représentation descriptive, visant à saisir l’animal de manière neutre selon des codes qui prévalaient dans les pastorales et les scènes de labourage. Loin d’un romantisme lyrique et à bonne distance de la dureté d’un Courbet, Rosa Bonheur développa une œuvre d’un réalisme mesuré, compatible avec ce que fut le goût de la peinture non seulement des institutions artistiques du Second Empire et de la III^e République, mais aussi de sa riche clientèle européenne et américaine.

Durant toute sa carrière, elle s’est intéressée à l’animal dans son environnement, à rebours du pittoresque ou de l’anecdote, pour entreprendre de traduire le « sentiment vrai de la nature ». Son attention extrême portée au mouvement et aux expressions des bêtes fit dire à Théophile Gautier, s’extasiant devant ses taureaux du Cantal : « quelle vérité et quelle observation parfaite ! ».

Sa volonté de peindre fidèlement les caractères physiques et les attitudes des animaux sans trahir les espèces se nourrit d’apprentissage et de travail. L’exposition en rend bien compte, en associant aux toiles grand format des études préparatoires. Rosa Bonheur multiplia les croquis, études, et ébauches. Elle utilisa même la photographie qu’elle pratiqua un peu elle-même, pour se documenter davantage sur la vie animale.

Considérant que les animaux avaient une âme qui légitimait l’attention qu’on devait leur prêter, Rosa Bonheur individualisa ses sujets dans des œuvres qui s’apparentaient à des portraits, les représentant en gros plan, frontalement ou de profil, comme cette saisissante tête de lion au regard perçant. Elle observait tout particulièrement le regard des bêtes, considérant que « c’est là que se peignent les volontés, les sensations, les êtres auxquels la nature n’a pas donné d’autres moyens d’exprimer leurs pensées ». Elle disait elle-même qu’elle voulait devenir la « Vigée Lebrun des animaux », en référence à la grande portraitiste de Marie-Antoinette, montrant par là son ambition d’imposer ses peintures animalières avec la force du portrait et de dévoiler toute la puissance de l’âme animale.

Féministe avant l’heure

Femme de combats, Rosa Bonheur était une véritable légende en son temps. Avant toute chose elle s’est battue pour pouvoir devenir artiste et vivre de sa peinture dans un contexte où les institutions artistiques étaient dominées par les hommes.

Bataillant pour légitimer ce statut de femme peintre et s’affirmer comme l’égale de ses confrères hommes, elle transgressa les codes de son époque pour vivre farouchement libre dans un siècle encore très corseté, devenant ainsi une figure de l’émancipation des femmes. Elle refusa notamment de se marier et partagea sa vie affective pendant plus de cinquante ans avec son amie d’enfance Nathalie Micas, troqua la robe pour le pantalon, porta les cheveux courts et fuma le cigare…

La ménagerie du château de By

Autre aspect qui contribua à sa légende, elle vécut pendant plus de quarante ans au milieu d’une ménagerie, composée d’animaux domestiques, sauvages et agricoles. En 1860, elle s’installa dans une vaste demeure en lisière de la forêt de Fontainebleau, le château de By, où elle logea une véritable arche de Noé : chiens, moutons, bœufs, chevaux, sangliers, cerfs, et même une gazelle et un couple de lion. Brouillant complètement la frontière entre animaux sauvages et domestiques, elle nomma sa jument « Panthère » et son cerf « Jacques ».

Par l’ampleur de sa ménagerie, elle s’est libérée des contraintes qui pesaient auparavant sur les artistes animaliers. Alors que ses prédécesseurs travaillaient d’après des animaux morts ou en captivité, au Jardin des plantes par exemple, n’instaurant aucun dialogue avec leurs sujets dont la réactivité et le regard étaient éteints, Rosa Bonheur put à l’inverse continuellement les observer et en saisir des attitudes singulières. Elle habitua même les animaux à sa présence, en lisant longuement le journal dans le parc aux cerfs ou nourrissant elle-même ses lions qu’elle avait domestiqués et qui vivaient en dehors de leur cage.

Des commandes de l’État français à la renommée internationale

Après des envois remarqués au Salon qui lui valurent une très bonne réception critique, Rosa Bonheur reçut plusieurs commandes officielles de l’État.

La première, le Labourage nivernais, deviendra l’un de ses chefs-d’œuvre. Dans cette toile monumentale, le lien avec le message républicain qui valorise le travail agricole et la richesse de la terre nourricière est évident. Alors que les bouviers et le laboureur sont dissimulés au second plan, les bœufs, massifs et puissants, apparaissent comme les héros de ce tableau qui glorifie le règne animal. Plus que l’homme, c’est l’animal qui travaille et qui souffre, épuisé par le joug et l’ascension de la colline.

Pour sa deuxième commande officielle, Rosa Bonheur voulut proposer Le Marché aux chevaux, que l’État refusa lui préférant un nouveau sujet rural, mais qu’elle présenta au Salon de 1853. Cette toile suscita un très grand enthousiasme auprès de la critique qui exempta définitivement Rosa Bonheur de soumission de ses envois.

Après avoir remis à l’État La Fenaison en Auvergne dont elle n’était pas satisfaite, Rosa Bonheur choisit de quitter le Salon pour se tourner exclusivement vers le marché de l’art, ce qui lui permit de très bien vivre mais la fit peu à peu sombrer dans l’oubli en France.

Un triomphe à l’étranger

Elle s’associa aux marchands et collectionneurs les plus éminents pour dominer le marché de l’art et conquérir son indépendance financière et morale. Ernest Gambart devint avec les Tedesco l’un des principaux promoteurs de sa peinture à l’étranger. Depuis Londres où il s’était établi, et d’où il valorisait son œuvre animalière, il entreprit de la rendre célèbre outre-Atlantique. Rosa Bonheur connut alors un succès international et compta parmi les artistes les plus convoités et les plus chers de son époque.

Ultime consécration, elle fut décorée par l’impératrice Eugénie elle-même de la légion d’honneur, avec laquelle elle choisit de poser pour la postérité, devenant ainsi la première femme artiste à recevoir une telle distinction. Toute sa vie Rosa Bonheur fut sensible aux honneurs qu’elle reçut au cours de sa carrière et qui furent nombreux. Elle voulait être la meilleure dans son domaine, pour être digne et fière de son statut de femme peintre, destin qu’elle accomplit parfaitement.

Pour aller plus loin :

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Le Dossier de l’Art n°299 sur Rosa Bonheur, écrit par l’historien de l’art Bernard Tillier, professeur à l’université Paris I Panthéon.

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Nouveauté ! Pour plus d’articles, retrouvez également l’Objet d’Art sur le site : actu-culture.com

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JEU CONCOURS

Quelle personnalité américaine, figure mythique de la conquête de l’Ouest, devint l’ami de Rosa Bonheur et lui inspira plusieurs toiles ?

Merci d’adresser votre réponse à : abonnement@faton.fr, en indiquant votre nom et adresse, et en précisant dans l’objet « Concours Arts & Vie – Rosa Bonheur », avant le 1^er décembre 2022.

Les cinq premières bonnes réponses gagneront le catalogue raisonné du fonds de Rosa Bonheur conservé au château de Fontainebleau (à commander sur www.faton.fr).

« Frida Kahlo, au-delà des apparences »

Par Marie Lagrave

Depuis le 15 septembre, une foule plus dense qu’à l’accoutumée se presse aux abords du Palais Galliera, le musée de la Mode de la ville de Paris, situé dans le XVI^e arrondissement. Il faut dire que le musée présente en ce moment – et jusqu’au 5 mars – une exposition dédiée à l’immense peintre mexicaine Frida Kahlo. Musée de la mode oblige, il n’est ici pas tellement question de ses tableaux, restés pour la plupart au Mexique ou aux États-Unis, mais bien davantage de la façon dont l’artiste a, toute sa vie durant, façonné son identité et son image, notamment au travers des robes traditionnelles mexicaines qu’elle aimait porter. Une exposition très attendue et fortement plébiscitée qui permet d’approcher l’intimité de Frida Kahlo, aujourd’hui devenue une icône internationale.

Conçue en étroite collaboration avec le Museo Frida Kahlo au Mexique, l’exposition dévoile plus de 200 objets provenant de la fameuse Casa Azul qui vit naître et mourir la célèbre peintre. Au fil des salles, on découvre des photographies la représentant, sa correspondance, les ex-votos qu’elle collectionnait, et bien sûr ses vêtements, bijoux et cosmétiques, ainsi que ses corsets et prothèses médicaux, transformés en véritables supports d’expression artistique. Quelques croquis et tableaux de l’artiste ponctuent le parcours, mais ils restent rares : ce n’est pas là le sujet de l’exposition. De même, si le nom de Diego Rivera, son mari, est bien sûr évoqué, on ne s’y attarde pas, et Frida Kahlo reste la star incontestée. L’exposition débute par un parcours biographique pour nous faire ensuite découvrir comment Frida Kahlo a composé son identité au travers de son handicap, de ses tenues et de ses portraits photographiques.

Une galerie courbe pour un parcours biographique

« Je suis née ici »

Arrivée au Palais Galliera, je m’arrête un instant pour apprécier son étonnante architecture qui oscille entre une géométrie rigoureuse côté jardin et sa façade sur rue en demi-cercle. Après un peu d’attente, j’accède à l’exposition : un court film de Frida Kahlo sert d’introduction, puis le parcours débute dans une longue galerie en courbe, un long couloir arrondi.

« Je suis née ici » : c’est quasiment par ces mots que le parcours de l’exposition commence, soulignant l’attachement de Frida Kahlo à ses racines et au Mexique. Les photos de famille se succèdent, dévoilant ses origines métissées, et montrant Frida enfant, prenant déjà la pose pour son père, photographe de métier. Mais l’enfance de Frida Kahlo, c’est aussi la poliomyélite, maladie qui atrophie sa jambe droite et dont elle gardera des séquelles toute sa vie ; puis son terrible accident de bus alors qu’elle n’a que 15 ans, et qui fera basculer toute son existence. Cet accident apparait d’ailleurs dans l’exposition par un dessin saisissant de Frida Kahlo, presque un croquis, où plusieurs scènes se superposent.

« Je suis née ici » représente également la Casa Azul, où Frida Kahlo naquit et vécut toute sa vie, si l’on excepte ses voyages. Après son mariage, elle y vit avec Diego Riviera, et si la maison accueille les amours et les discordes du couple, elle n’en reste pas un moins un refuge pour Frida Kahlo qui la décore avec soin. Parmi les objets présentés, la collection d’ex-votos notamment, attire mon attention. Source d’inspiration pour l’artiste, ils témoignent de sa passion pour l’art populaire, les thèmes religieux et les traditions mexicaines.

Voyages et correspondance

Le parcours continue, toujours dans cette étonnante galerie courbe, et m’entraine dans deux des voyages de Frida Kahlo. Frida suit tout d’abord Diego aux États-Unis, où ils séjourneront 2 ans, d’abord à New York puis à Détroit. Bien que fascinée par sa modernité, Frida apprécie peu le pays qu’elle surnomme « Gringolandia ». À Détroit, en outre, elle subit une fausse couche traumatisante. Elle peint cependant lors de son séjour plusieurs de ses chefs-d’œuvre.

Quelques années plus tard, Frida Kahlo est invitée à Paris par André Breton qui prépare une exposition en son honneur. Cependant, ses tableaux ne seront finalement exposés qu’au milieu d’autres œuvres mexicaines. C’est une grande déception pour l’artiste, qui dans sa correspondance, s’en prend vivement à Breton et aux surréalistes.

Ces deux voyages permettent néanmoins à Frida Kahlo de faire de nombreuses rencontres, et de lier des amitiés qu’elle entretient par une abondante correspondance. Les lettres échangées avec ses relations viennent clore ce parcours biographique.

De grandes salles pour comprendre la construction de son image

Infirmité et créativité

Après ce long parcours dans cette étroite galerie, j’apprécie les volumes de la salle qui s’ouvre ensuite, sans doute la plus poignante de l’exposition. Ici sont exposés, en ligne, différents corsets portés par Frida Kahlo. Soutiens de son corps brisé, réceptacles de sa douleur, ils témoignent de sa santé de plus en plus fragile. Portés tout au long de sa vie, ils font partie intégrante de sa personne : loin de chercher à les dissimuler, elle les a représentés et mis en scène dans nombre de ses tableaux, comme des allégories de ses souffrances. Certains sont également devenus des supports artistiques. Elle a peint sur l’un la faucille et le marteau, symboles de son attachement au Parti Communiste ; ici, le fœtus de l’enfant qu’elle n’a jamais pu avoir ; sur un autre, une colonne brisée, reflet de sa propre colonne vertébrale…

D’autres dispositifs médicaux sont également exposés, et notamment une prothèse orthopédique, utilisée après l’amputation de sa jambe droite. Admirablement conçue, elle figure une véritable jambe, ornée d’une magnifique botte rouge sur laquelle trône un dragon asiatique. Malgré son handicap, Frida Kahlo n’a en effet jamais cessé d’apporter un soin extrême à ses tenues. Elle les portait comme un véritable étendard de sa personnalité hors du commun, de sa mexicanité et de sa féminité.

Tenues et portraits photographiques

La salle suivante, justement, permet d’admirer quelques-unes des plus belles parures de l’artiste. Bijoux et cosmétiques s’exposent de part et d’autre tandis que de superbes robes trônent au centre de la pièce. La plupart sont des jupes et tuniques traditionnelles mexicaines, brodée de couleurs vives, emblématiques de la région de Tehantepec. L’amplitude des jupes permettaient à Frida de dissimuler ses jambes, tandis que les motifs chatoyants des tuniques mettaient en valeur son buste et la faisait paraitre plus grande. Ces tenues sont devenues un marqueur essentiel de l’identité de l’artiste, qui les portait jusqu’à son chevalet, ce dont témoignent photos et taches de peinture.

Habituée à poser pour son père dès le plus jeune âge, Frida Kahlo conserve ensuite le désir de se faire prendre en photo et de composer son image. Les portraits d’elle sont nombreux et extrêmement variés, pris par différents photographes. Dans cette salle habitée par ses robes, tout un pan de mur est consacré à ces photos. On y voit Frida parée de ses plus beaux atours, dont certains sont visibles dans la pièce. Ces portraits ont fait le tour du monde, et son image si reconnaissable a contribué à faire d’elle une véritable icône, internationalement reconnue.

À l’étage : des créations de haute couture inspirées par Frida Kahlo

Jusqu’au 31 décembre 2022, une exposition-capsule située à l’étage, permet de compléter le parcours. Dans cette dernière salle, sont exposées des créations de haute couture inspirées par l’artiste mexicaine. De nombreux créateurs de mode ont en effet voulu rendre hommage à son style unique, que ce soit au travers de robes d’inspiration tehuana, de motifs mexicains chatoyants ou par l’utilisation de corsets orthopédiques. Ce dernier espace permet de mesurer l’influence de l’artiste sur la mode contemporaine et d’apprécier la variété des interprétations de son style.

À découvrir lors de la journée culturelle : Le Mexique à Paris